Carlos Aguirre

Entrevista realizada por Ivonne Cantor en exclusiva para Stylusart

Entrevistamos a Carlos Aguirre artista y maestro de artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Es, también artista participante en la 3ª edición de ORIGINALES SOLIDARIOS.


¿Condiciona de alguna manera el entorno a tu trabajo o pintas el mismo tipo de pintura independientemente del lugar en el que lo hagas? 
Yo creo firmemente que el tema se puede pintar en cualquier lugar del mundo, pero el color no es el mismo al nivel del mar que a 2000 metros de altura. El entorno es decisivo para mí. En el caribe la luz tiene una condición distinta, el color se percibe saturado y las sombras profundas y recortadas, mientras que en el altiplano todo es mas gris. Particularmente dependo de esta luz gris plata constante, difusa y sutil que modela poéticamente los objetos...y la piel.

Luz natural, luz artificial. Háblame de la luz en tu estudio.
Luz natural definitivamente. Trabajo con luz natural a la izquierda principalmente. Nunca pude acostumbrarme a la luz artificial que distorsiona la percepción de los colores. De noche todos los colores son pardos, al igual que los gatos.

Háblame de tus horarios de trabajo. Te impones unas horas fijas o lo haces más por impulsos e inspiración. 
Pinto por impulso y este impulso es más fuerte que yo, de manera que termino encontrando el momento. Pero no improviso, siempre me apoyo en algún esbozo porque pienso que el dibujo es una manera de resolver el rompecabezas que es la imagen.

¿Qué técnicas empleas? 
Pinto al óleo porque es difuso, lento y agradecido. Necesito tiempo para pensar la obra y el acrílico me lleva a mil, además las veladuras son pobres en comparación con el óleo. Trabajo sobre fondo de color, una mezcla de tierra de Sevilla y ocre. Fue casi norma en el barroco y funciona para mí. La entonación de mis carnaciones es de un verde quebrado, luego planteo luces y profundizo las sombras. Casi siempre termino con veladuras finas que añaden gran profundidad a la obra y evitan que las sombras se vean pesadas. Como en el siglo XVII español, el fondo reservado es el armonizante del todo. Para mi es como el bajo continuo en la música barroca.

Acabar un cuadro ¿es una liberación, una alegría, un proceso natural? 
Un proceso natural. No siento la obra como una carga que se sufre y de la cual se libera al terminar y no experimento alegría sino un vacío entre la obra terminada y la que me espera. Solo mi familia es ese polo a tierra que me sostiene.

¿La obra es un medio o un fin? ¿Nos lo podrías aclarar un poco? 
Solo puedo entender a la obra como un medio. Es un puente hacia la mente de los demás, un puente que no puedo cruzar pero mi obra sí. Aunque el proceso de pintar y pensar la pintura es algo solitario, el resultado no lo es, siempre está presente la intención de decir, plantear, de comunicarse.

¿Crees que hay algún aspecto de la creación artística que no está nada bien entendido por parte del público? ¿Cómo se lo explicarías? 
Creo más en el discurso visual que en el verbal, porque la obra debe sostenerse visualmente, no solo por como esté hecha, sino por el trasfondo. Es lo que justifica generar una imagen.
Ahora bien, el artista no es solo un fabricante de imágenes, si produce la obra, debe estar en plena capacidad de sustentarla conceptualmente. El problema es cuando la imagen no esta a la altura de lo que se dice de ella.

¿Hay algún texto que releas?
Releo muchos textos tanto contemporáneos como antiguos porque siempre hay algo que estaba oculto y me sorprende, pero definitivamente los poetas líricos de la España de los siglos XVI y XVII, especialmente Luis de Góngora. Es formidable. Yo creo que el arte debe alimentarse de arte, ese es su propio oxígeno.

Te pido que me digas el nombre de los tres pintores que consideres más importantes en la historia de la pintura. 
Velázquez, Rembrandt y Van Gogh.
¿Por qué? Sus obras contienen la respuesta.

¿Qué piensas de Internet y las Artes? 
Es un espacio de difusión enorme tanto para el artista que puede crear portafolios muy completos disponibles las 24 horas en cualquier lugar del mundo, como para los críticos, que no dependen del criterio de terceros y para las publicaciones de arte, que logran un público altísimo y rompemos la barrera de lo local, que es la mayor limitación del medio impreso.
Es sentir que el mundo es más pequeño y nos acerca porque todo está a un clic de distancia.

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